Journal de bord

Gigapan: “Jonas by Daniel Boschung.”

Gigapan: Daniel Boschung.

Robophot.

Making of Face Cartography.

Ryuji Taira 平竜二. Vicissitudes. Tirage platine-palladium sur papier gampi. 2004.

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En parlant de papier japonais, le tirage sur washi de Tosa 土佐和紙 est des plus délicats… (fabrication artisanale de papier washi de Tosa dédié au tirage platine). Certains papiers washi peuvent faire seulement 3.5 g/m2.

De l’Art ? De la photographie ? Du cochon ? Je m’interroge.

Le Journal de la Photographie : “Arles 2013: Hiroshi Sugimoto (Hermès)”.

Joseph Trompette (1845-1891). Têtes sculptées de la cathédrale Notre-Dame, Reims (Marne). Circa 1880. Tirages palladium-platine, 2013.

[Cyanotype et encres sur papier Arches Platine. Format : 21 x 27.3 cm - Papier : 28 x 38 cm.]

J’expérimente.

Large photographs are impersonal. In order to see them, you have to stand far away. It’s as if the photographer doesn’t want you to get close to his image or establish a close relationship with it. It is not an arm’s length relationship. It is a way across the room relationship where the viewer must worship from afar. Whether it’s a deliberate tactic to separate the audience from a photograph or just a reflection of the artist’s ego that demands his work cover as much wall space as possible indicates to me the artist is not really interested in getting close to his audience and connecting with them. “Worship my Art from afar, you are not worthy to occupy the vicinity of my Art. Sniff.”

I am uncomfortable when my art gets too big. I’m pretty sure than stems from making silver gelatin prints in the darkroom. Big prints were expensive because everything needed to be big – negatives, enlargers, enlarging lenses, papers, trays, drying racks, dry mount presses… It was a major investment to jump from 11 x 14 to 16 x 20. And the worst part about it was you didn’t know if your negatives were good until it was too late. We all printed small. 8 x 10 was a standard size, 11 x 14 was a big print. 16 x 20 was for the accomplished artist. If you made prints bigger than 16 x 20, your name was Ansel Adams. I tried the bigger prints and they just didn’t work for me. I could not create the quality I wanted in a larger print, so my work stayed small.

I choose to make small photographs because I want you to be able to hold the picture in your hands and be able to look closely at it. I want you to spend some time looking at details and develop a relationship with the image.

Joe Lipka: “When Bigger Isn’t Better.”

Je souscris. Le 16 x 20 m’a toujours semblé un grand maximum en photographie.

[Photo Lucas Foglia: “Alex with Gourd, North Carolina”.]

Lucas Foglia: “A Natural Order.”

De 2006 à 2010, j’ai voyagé à travers le sud-est des États-Unis, afin de sympathiser, de photographier et d’interviewer ces personnes qui ont quitté les villes et les banlieues pour vivre autrement. Motivé par des questions environnementales, des croyances religieuses, ou la perspective d’un effondrement économique, ils construisent leurs maisons avec des matériaux locaux, obtiennent leur eau de sources proches, et chassent, cueillent et font pousser leur propre nourriture.

Tous les gens qui apparaissent dans mes photographies travaillent pour maintenir un mode de vie autonome, mais aucun de ceux que j’ai rencontré ne vit en totale isolation par rapport au système. Beaucoup ont des sites internet qu’ils mettent à jour en utilisant des ordinateurs, des téléphones portables qu’ils doivent charger sur leurs batteries de voiture ou leurs panneaux solaires. Ils ne rejettent pas absolument le monde moderne. Ils s’en écartent plutôt et choisissent les éléments qu’ils veulent emporter avec eux.

La Lettre de la Photographie.

Comme les affaires sont plutôt calmes en ce début d’année, je vous propose une réduction exceptionnelle de 20% sur tous les tirages platine-palladium de la Galerie du Cabestan.

Code de réduction : IRVING.

(À saisir dans le champ “Gift card” sur la page “votre panier”, puis cliquez sur le bouton “Mise à jour/update”. Valable jusqu’au 24 mars.)

[Photo Gertrude Stanton Käsebier, circa 1900. Amos Two Bulls, Oglala Lakota Sioux. Tirage platine-palladium sur papier Arches Platine.]

[John Dugdale. Peonia, Morton Street. 1998. 14 x 11”.]

Hollen Lutz Gallery: “John Dugdale”.

The John Dugdale School of 19th c. Photography and Aesthetics.

Faut que je me remette au cyanotype…

Paul Hansen aime esthétiser la douleur et la mort.

Je me souviens de sa tragique image de Fabienne Cherisma, récompensée en 2011. Image qui avait déjà fait polémique dans le monde du photojournalisme… Paul Hansen est le spécialiste du genre.

Son cliché de Gaza, qui a gagné le concours “World Press Photo of the Year”, est de même nature. Mais je ne sais pas s’il faut accabler le photographe qui abuse en traitant ses fichiers RAW ou le jury qui couronne des images plus pour leurs qualités picturales qu’informatives.

Cette photo à la colorimétrie considérablement altérée et ces personnages cireux sont à mes yeux artificiels et désagréables.

Grâce à Google Images, j’ai trouvé une autre photo, plus “crue”, de cette manifestation funèbre :

[Beit Lahiya, Gaza. 20 novembre 2012. Photo Naaman Omar, APA images. Via Electronic Intifada.]

Chez Sipa Press, d’autres photos de Naaman Omar.

Il y avait bien d’autres photographes, comme Mohamed Salem pour Reuters par exemple, pour saisir cette mise en scène médiatique à destination de l’opinion publique internationale. Car ce genre d’événement est créé et orchestré à destination des médias, c’est en substance de la propagande. Il s’agit d’offrir aux journalistes ce dont ils raffolent, de l’image forte.

Le bleu “Asociación del Fútbol Argentino” permet de mesurer l’ampleur de la dérive par rapport au réel :

Pour l’essentiel, les couleurs perdent en vibrance et saturation et les contrastes sont accentués. Le “climat de l’image” est substantiellement transformé. Ce que pourrait faire un filtre Instagram.

Cette photo est juste “overprocessed”, Paul Hansen a franchi la ligne qui borde le champ du photojournalisme.

Les couleurs du réel ne satisfont plus. Il faut les sublimer, les trafiquer, leur donner une dimension pictorialiste, les rendre plaisantes à l’œil, les “glamouriser”. Nous sommes bien dans une “instagramisation” de la vision du monde dans les concours internationaux de photojournalisme.

Mais j’ai la solution ultime pour ne plus polémiquer sur les goûts et les couleurs, et enfin parler photo :

Sinon, je prédis que l’avenir du photojounalisme, c’est la Lomographie et iPhone/Instagram.

Pardon ? C’est déjà le cas ?

Motoyuki Kubo, un confrère japonais, est maître tireur aux ateliers Amanasalto, à Tokyo.

Sally Mann: Southern Landscapes.

Sally Mann: Battlefields.

Sally Mann: Proud Flesh.

Sally Mann: Family Pictures.

Sally Mann: Body Farm.

[…] Down in her photography studio close by the house, there are lots of windows and a pungent chemical smell. — ether.

Sally says it smells like her art.

It’s here that she took some of her latest photographs of Larry, moody black and white nude studies of his form.

“It’s almost oneiric, it’s almost dreamlike the way we move; each one of us knew what we had to do and we weren’t talking,” Sally says. “But there was something very quiet, very loving about the whole process — his willingness to go through it and also his encouragement of me.”

Sally photographed Larry using a cumbersome process that goes back to the 1850s: collodion wet plate, creating a large-format negative image on glass, not film.

She shoots with antique view cameras from the early 1900s, the kind where you duck under a cloth to take the picture. They have hulking wooden frames, accordion-like bellows and long brass lenses held together with tape, with mold growing inside. She says she loves that. It softens the light, makes the pictures timeless.

“I’m just the opposite of a lot of photographers who want everything to be really, really sharp and they’re always stopping it down to F64 and they like detail and they look with their magnifying glass to make sure everything’s really sharp,” she says. “I don’t want any of that. I want it to be mysterious.”

And the mystery comes through in the images — an intimate series called “Proud Flesh” — with milky light and shadow playing across her husband’s body.

Sally says a good picture often comes at the expense of the sitter. That exploitation is at the root of it, even when it’s your husband.

“And he was willing to make himself so vulnerable,” she says. “Cause the series wasn’t so much about his illness and the degradation of his body and muscle as it was just a paean, just a love story. But you couldn’t avoid looking at the waste of his right leg and his left arm. And he was completely willing to show that, which is extraordinary.”

Sally says they didn’t talk about the process very much.

“I’ll be interested to hear what he says about, as a matter of fact, isn’t that funny?” she says. “No, we didn’t talk about it — we just started taking the pictures. He would say, ‘Let’s take some pictures this week.’ He would always encourage it. He’s really brave.” […]

NPR, Melissa Block, Feb. 17, 2011: “From Lens To Photo: Sally Mann Captures Her Love.”

Wikipedia: Sally Mann.

ASX: “Conversation between Sally Mann and Jiang Rong.”

Youtube: “What Remains: The Life and Work of Sally Mann” (Steven Cantor, 2005) - Part 1. Part 2. Part 3.

[François Gabart par Isabelle Rimbert.]

Tout cela en fait un cartésien à l’humanisme vigilant. Il dit : « Je crois en l’homme, en ses capacités à résoudre les problèmes. Je suis optimiste quant à la capacité humaine à faire que cela fonctionne entre nous sans recours aux religions. » Et de poursuivre : « Je respecte les gens qui croient, mais je pense ne pas avoir besoin de ça. Cela fait parfois plus de dégâts que de bien. »

Libération, 6 novembre 2012 : “François Gabart, nouvelle vogue”.

♥

Du genre commercialisées sous le manteau…

Daves’s Blog: “Secret Treasure Trove.”

[Photo Issouf Sanogo / AFP - Getty.]

“But this image has a more chilling effect, somehow, perhaps because it signifies the conundrum of war: the liberating army as a symbol of freedom, but also of looming death.” — Isolde Raftery, Staff Writer, NBC News.

Les militaires sont des tueurs professionnels, qui agissent au nom du peuple de France. Les vapeurs et émois en haut lieu chez ces parisiens, marquis de salons dorés, me paraissent tout à fait ridicules autant que déplacées à l’égard de ces hommes qu’on envoie faire la sale besogne. Une preuve, s’il était nécessaire, que le pouvoir et la politique sont des affaires de Tartuffe. Cachez cette mort que je ne saurais voir.

La guerre, car s’en est une, n’est jamais propre. C’est du sang et de la merde.

—

P.S.

Le photographe, Issouf Sanogo, explique les conditions de prise de vue et commente sur le blogue de l’AFP :

« Les soldats travaillent dans des conditions difficiles », dit-il. « Ils avalent des milliers de kilomètres de route, alors ils font ce qu’ils peuvent pour se distraire un peu. Je ne sais pas qui est le soldat au foulard et j’aurais bien du mal à le reconnaître si je le croise à nouveau. Je crois, et j’espère qu’il sera impossible de l’identifier. Je ne suis même pas sûr qu’il soit au courant de tout ce que les gens racontent sur son dos ! »

AFP, Making Of : “Mali : la tête de mort qui fait le buzz”.

Je souhaite que le colonel Thierry Burkhard regrette, après coup, ses déclarations.

We train young men to drop fire on people, but their commanders won’t allow them to write “fuck” on their airplanes because it’s obscene! — Colonel Walter E. Kurtz.

I’d just finished taking a portrait, when I hopped into the back of a taxi and began reviewing my photos. Suddenly a policeman appeared out of nowhere, poked his head into the car, and began screaming at me in Farsi. “Oh God,” I thought. “Hopefully Obama will get me out of jail.”

“What does he want?” I asked my guide.

“He wants you to take his photo too.”

Brandon Stanton: photos tagged “Iran”.

Marquis Hubert Taffin de Givenchy, 1948. Laure Albin Guillot / Roger-Viollet.

[Campagne lunettes automne/hiver 2011 Dolce & Gabbana. Mannequin David Gandy. Photographie Mariano Vivanco.]

Ah, un peu de beauté dans ce monde de brutes…

• Themis : “Exploitation d’une photographie d’Yves Saint Laurent par Dolce & Gabbana”.
• Droit et Photographie, Joëlle Verbrugge : “Similitude, inspiration ou plagiat et parasitisme ?”.

Je ne comprends pas cette condamnation. À mes yeux, cette image est clairement un hommage, un clin d’œil. Difficile de parler de plagiat tant l’image originale est connue. D’ailleurs, tous les observateurs à l’époque avaient immédiatement fait le lien avec la photo « iconique » de Jeanloup Sieff.

Les conclusions du juge de la Cour d’appel sont en outre excessives : « [la photographie] ne constitue pas une simple réminiscence, mais bien une reproduction quasi à l’identique », alors que je vois exactement l’inverse.

Il me paraît quand même très difficile de prétendre qu’il s’agisse quasiment d’une reproduction à l’identique, ou bien nous ne parlons pas la même langue. La réminiscence est a contrario évidente, même si l’intention n’est cependant pas absolument démontrable.

Après, on peut se poser la question de savoir si instiller l’idée Yves Saint-Laurent dans une publicité D&G est commercialement pertinent…

L’image est en outre très simple dans son dispositif technique (le vocabulaire lumière de Sieff, bien qu’élégant, est formaliste et répétitif, il a fait des dizaines de portraits et nus avec le même éclairage) qui ne saurait être qualifié d’original.

Faut-il se priver de photographier en noir et blanc des hommes nus à lunettes (avec ou sans quéquette) avec une seule boîte à lumière ? J’espère bien que non.

Certes, les images de Jeanloup Sieff, mais bien plus encore leur utilisation commerciale par la maison YSL, ont marqué leur époque (1971) et l’histoire de la publicité. Cela dit, quitte à choisir sur des critères purement esthétiques, je crois que je préfère la vulgarité sexy du couple Gandy-Vivanco.

[Série Yves Saint Laurent, Paris, 1971. Photographie Jeanloup Sieff.]

[Via Mathieu.]

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Et puisque nous sommes sur un blogue gay, juste pour le plaisir, David Gandy sans lunettes :

[Photo Mariano Vivanco. Les héritiers de Michelangelo n’ont pas tenté de procès.]

Tadao Cern.

I used my cat to demonstrate the effect of focal length and zoom (29mm to 105mm).

Yep. This was all “oh wow this is perfect I need to catch this right now”, and my camera happened to be f1.8 in the wide angle picture, with focus on her nose.

I could probably have afforded to close it up to at least get her ears into focus, which probably would have made for a better picture, but I figured twiddling with knobs and buttons would disturb the delicate equilibrium and cause her to get up and walk off.

Popocuffs

Kitten Natividad. Photo Marie Baronnet.

Inquiring about older performers, I met some show girls. The way they looked down on strippers got me quickly interested in the latter. Outcasts are my kind, they try harder. From strip joints to Burlesque theaters, I went on a quest and met the “Legends”, these dominating characters of the quintessential American art of strip tease. Hours of confidence on tapes, intimate photo sessions, they peel off and reveal the hidden layers of their life with throaty emotion. Their memories reflecting the memories of the land. Vietnam vets and bikers are their loyal patrons.

Candor and decadence, the art has seen his Golden Age, losing to the sex industry, but its actors keep its luster vibrant. Of all ages, from sixty to ninety five, they don’t make covers of glossy magazines. Seductive Queens of “effeuillage”, undressing but never bare, endangered species of femininity, they made it to these pages.

Stripper. Ecdysiast. From Greek ecdysis: shedding of an outer layer of tegument, as do snakes, or insects. Natural act of transfiguration. What’s removed is no longer skin. Pure artistic mutation under our eyes, for strippers seduction is renewal of reality. Don’t be fooled. Each one of them is a real entrepreneur of the American Dream. They have conquered their flesh and their independence, their sex and their economy, and they have paid the price. Rise, fall, addictions, solitude, indigence, all the trimmings of life when there is nothing but life to live. They made it with humor and grace. This is what makes them the Legends.

Together we have played a scene or two of the film of their life and in these moments I could see the changeling of me. As if in the making of all women were the intimate moves and rituals of seduction of the young girls we were. Moves that stay with us for life.

As I honor these artists I wish to honor my mother and her fierce mother, and the older woman I will be one day when I reach the age the receding flamboyance of flesh let through more of the original soul.

Aged bodies, aged trophies. Memories of adulation and erotic trances have a way to keep alive and transfigure with innocence in front of us these beautiful women.

Burn Magazine, Marie Baronnet: “The Living Art Of Risqué.”

Quand le juge se fait un redoutable critique photographique… Un vrai jeu de massacre :

Une photographie n’est protégeable par le droit de la propriété intellectuelle que dans la mesure où elle procède d’un effort créatif et qu’elle ne vise pas seulement à reproduire de la manière la plus fidèle possible, un objet préexistant.

Par ailleurs le seul fait de représenter des avions ou des éléments d’avions ne suffit pas à caractériser l’originalité du sujet dès lors que de tels choix sont le propre de tout passionné d’aéronautique.

a/les photographies revendiquées par Philippe G. :

1re photographie (annexe 5 du procès-verbal du constat du 14/12/2010) : Il s’agit d’une photographie du Concorde prise au salon du Bourget de 1971.

Philippe G. (né en 1960) revendique le choix du sujet, la mise en avant des accès à l’appareil par la passerelle, la prise de vue de biais, de jour à la lumière naturelle sans flash.

Néanmoins l’examen de la pièce fait apparaître l’absence totale de mise en valeur de l’avion photographié sous un angle de vue banal avec une lumière défaillante (selon les reproductions fournies au tribunal) et un cadrage qui n’a pas permis de faire disparaître le public qui se presse autour de l’appareil.

Cette photographie ne révèle aucun effort créateur et n’est nullement empreinte de la personnalité de son auteur.

2e photographie (annexes 8, 9, 10 et 11 du procès-verbal de constat) : Cette photographie représente une sonde carburant du réservoir 3 du Concorde Philippe G. revendique le choix du sujet, la place de la sonde au milieu de la photographie dans un environnement sombre, la présence de leds rouge et de l’ombre de la sonde, et la faible luminosité.

Cependant le fait de placer le sujet au centre d’une photographie ne peut être considéré comme original et les autres éléments invoqués par le demandeur : présence de leds rouges, faible luminosité, présence d’une ombre manifestent plus l’inexpérience du photographe que la réalité de choix esthétiques.

3e photographie (annexe 12 et 13 du procès-verbal de constat) : Il s’agit en réalité de deux photographies représentant un indicateur KW-KVAR d’un Concorde.

Philippe G. revendique le choix du sujet, la composition, l’angle de sa prise de vue et son éclairage.

Néanmoins il ne suffit pas de décrire une composition (1er plan, fond gris posé sur un support plat) il faut indiquer en quoi ce qui apparaît extrêmement banal peut être le résultat de choix artistiques révélateurs de la personnalité de son auteur.

De la même façon il appartient au photographe d’expliquer pourquoi un faible éclairage et la présence d’ombres ne sont pas la manifestation de l’absence de toute qualité technique du cliché mais au contraire le résultat d’un choix personnel en vue de produire un effet particulier.

4e photographie (annexes 14 et 15 du procès-verbal) : Cette photographie représente le poste de pilotage de jour avec les lumières allumées à l’intérieur de telle sorte que l’on aperçoit la casquette du commandant de bord.

Philippe G. revendique le choix du sujet (la casquette), la composition, le choix de l’angle de vue et l’éclairage.

Néanmoins la casquette n’est guère visible et la photographie représente surtout une partie de la cabine de pilotage sans que les caractères de la photographie puissent permettre de lui reconnaître une originalité particulière, les conditions de prise de vue telles que le zoom relevant de contraintes techniques et l’éclairage ne résultant manifestement pas de choix opérés par le photographe.

5e photographie (annexes 16 et 17 du procès-verbal de constat) : Cette photographie représente une calculatrice faisant mention de la vitesse de l’avion.

Philippe G. revendique le choix du sujet, sa composition, l’angle de la prise de vue et l’éclairage.

Néanmoins, il ne suffit pas de décrire les caractéristiques techniques d’une photographie qui en l’espèce sont extrêmement banales ; il convient d’indiquer en quoi celles-ci sont le résultat de choix esthétiques en vue de produire un effet particulier et non pas une exacte reproduction de l’objet en cause.

Les photographies en annexes 18, 19 et 22 du constat : Elles représentent une ailette de turbine BP.

Philippe G. revendique le choix du sujet, sa composition, le choix de l’angle de prise de vue et de l’éclairage qui témoignent d’une recherche esthétique.

Néanmoins le demandeur omet de définir cette recherche esthétique et se contente d’énumérer des éléments sans indiquer les motifs des choix qu’il revendique et les effets voulus.

Les photographies figurant sur les annexes 20 et 21 du constat : Elles représentent une calculatrice IBM en bois.

Elles sont la représentation assez exacte de l’objet en cause et ne présentent aucune originalité, Philippe G. ne définissant pas la recherche esthétique qu’il revendique.

La photographie en annexes 23 et 24 du constat : Elle représente un vérin de tuyère primaire d’un Concorde en gros plan posé à plat sur un fond gris.

Philippe G. revendique le choix du sujet, sa composition, le choix de l’angle de prise de vue et l’usage du flash.

L’ensemble des éléments revendiqués sont banals et la photographie est juste la représentation assez exacte de l’objet en cause, sans aucune recherche esthétique.

les photographies figurant en annexe 28 du procès-verbal de constat : Elles représentent quatre indicateurs KW-KVAR intégrés au tableau de bord d’un Concorde.

Philippe G. revendique un gros plan alors que ce choix technique s‘impose si on souhaite obtenir une vue précise des objets en cause. Il revendique également un éclairage particulier qui en réalité est commun à la plupart des photographies d’objets qu’il a réalisées.

Il ne définit aucune recherche esthétique et les choix techniques réalisés sont la conséquence de sa volonté de présenter une vue précise et exacte des quatre indicateurs.

La photographie figurant en annexes 30 et 32 du procès-verbal de constat : Cette photographie représente une statue du chevalier de la Barre.

Philippe G. revendique le choix du sujet, sa composition, le choix de l’angle de vue et l‘éclairage. Il invoque la présence d’un arbre sans feuille ainsi que d’un immeuble parisien à l’arrière plan, la prise de vue de biais et un éclairage en lumière naturelle.

Néanmoins Philippe G. n’est pas maître de l’environnement de la statue et il ne résulte pas de l’examen de la photographie qu’il ait réalisé des choix particuliers susceptibles de mettre spécialement en valeur la statue qui est le sujet de la photographie. Il ressort au contraire que ce qui apparaît spécialement visible est le socle de la statue alors que celle-ci est mal éclairée et se confond avec l’arbre dont il n’est tiré aucun effet particulier, non plus que de l’immeuble dont la présence est sans intérêt.

les photographies figurant en annexes 30 et 31 du procès-verbal de constat : Elles représentent une plaque de rue, la plaque de la statue et un panneau d’informations.

L’intérêt de ces photographies est de fournir un certain nombre d’informations visibles mais elles ne révèlent aucune démarche esthétique.

Il ressort de l’ensemble de ces éléments que les photographies revendiquées par Philippe G. ne sont pas protégeables par le droit d’auteur.

b/les photographies revendiquées par Alexandra J. :

Photographies figurant en annexes 34 et 35 du procès-verbal de constat : Elles représentent le détail du pied d’une ailette 1er étage BP.

Alexandra J. a précisé que la photographie avait été prise avec un objectif macro pour essayer de jouer avec les formes et la matière, sur un fond mauve.

La demanderesse précise le choix qu’elle a effectué en vue d’obtenir un effet particulier qui ne ressort pas seulement de la volonté de reproduire exactement l’objet en cause. Néanmoins, il n’apparaît pas que sa démarche ait dépassé une simple recherche technique.

Photographies figurant en annexes 36 et 37 du procès-verbal du constat : Ces photographies représentent le nez du Concorde.

Alexandra J. revendique le sujet, sa composition, l’angle de prise de vue et l’éclairage.

Cependant le nez du Concorde étant une de ses caractéristiques essentielles, la décision de mettre spécialement en avant cet élément ne constitue pas un choix original.

Le choix d’une vue de côté en éclairage naturel est également banal ainsi qu’un premier plan sur la piste de décollage ou sur un fond bleu ou blanc, s’agissant d’un avion. Enfin la présence du nom des compagnies aériennes s’imposait au photographe compte tenu de leur emplacement.

Ainsi il n’est fait état d’aucun élément original susceptible de justifier d’une protection par le droit d’auteur.

Les photographies figurant en annexes 38 et 42 du procès-verbal de constat : Elles représentent un groupe de climatisation, un capteur de température, des sondes diverses relatives au conditionnement de l’air.

Alexandra J. revendique le choix du sujet, leur composition, le choix de l’angle de prise de vue et de l’éclairage.

Cependant les choix tenant à l’exiguïté des lieux tiennent à des contraintes techniques et ne relèvent pas de considérations esthétiques ; ils ne peuvent donner lieu à une protection au titre du droit d’auteur.

les photographies figurant en annexes 44 et 47 du procès-verbal de constat : Elles représentent l’intérieur du cockpit du Concorde.

Le cockpit du Concorde est un sujet très attractif même pour des personnes qui ne sont pas spécialement intéressées par l’aéronautique, compte tenu de l’aura particulière de cet avion unique et le choix de ce sujet ne présente pas d’originalité particulière.

Par ailleurs, il n’est pas démontré que les angles de prise de vue et l’éclairage n’étaient pas dictés par les contraintes particulières des lieux. Enfin le fait que les instruments soient allumés, que le pare brise soit visible et que la chaise du pilote soit vide ne relèvent pas de choix originaux.

Les photographies en cause ne présentent pas l’originalité requise pour accéder à la protection du droit d’auteur.

Les deux photographies figurant en annexes 44 et 47 du constat : Elles représentent Alexandra J. dans le cockpit. Celle-ci revendique le choix du sujet, sa composition, l’angle de prise de vue et l’éclairage.

Néanmoins Alexandra J. omet d’indiquer comment elle peut être l’auteur de la photographie tout en étant le sujet.

Si cette seule circonstance ne suffit pas à écarter la qualité d’auteur, il aurait cependant été nécessaire pour plus de crédibilité que la demanderesse indique le recours à une technique particulière ou l’intervention d’un tiers et dans ce dernier cas, qu’elle précise quelles instructions elle lui avait données et quels choix il avait lui-même effectués.

En l’absence de ces indications, la qualité d’auteur ne peut être attribuée à Alexandra J. et il n’y a donc pas lieu de rechercher l’originalité du cliché.

La photographie en annexes 50 et 51 du procès-verbal de constat : Elle représente l’ombre de l’aile du Concorde sur un fond orangé.

Alexandra J. revendique le choix du sujet, sa composition, l’angle de prise de vue et l’éclairage.

Néanmoins le choix de photographier un avion ou une partie d’avion dans un coucher de soleil n’est pas original alors que le coucher de soleil est un élément très recherché des photographes et qu’il est exploité de multiples manières.

En revanche la manière dont ce sujet va être traité peut conférer à la photographie une originalité particulière. En l’espèce, Alexandra J. met en avant le choix de l’angle de vue sur le réacteur et d’un faible éclairage.

Ces choix particuliers en vue d’aboutir à une représentation particulière de l’aile de l’avion sur un fond orangé justifient que la photographie soit protégée par le droit d’auteur.

Legalis : “Tribunal de grande instance de Paris, 3e chambre, 4e section : Jugement du 20 décembre 2012”.

La leçon à retenir est que beaucoup des photographies publiées sur le Web ne sont pas, en droit français, protégeables au titre du droit d’auteur. Il faudrait que vous démontriez avec conviction votre « effort créatif » et l’originalité de votre image devant un juge… Et vu le jugement ci-dessus, ce n’est pas gagné d’avance.

Si votre photo est purement documentaire, elle n’est pas protégée.

Mathilda Le Fur : “Hors d’Éden”.

[Robert Mapplethorpe (1946-1989). Autoportrait, 1988.]

À gauche : tirage platine (58,7 x 48,2 cm). Los Angeles County Museum of Art.

À droite : tirage argentique (61 x 50,8 cm). The Estate of Robert Mapplethorpe, New York City.

Robert Mapplethorpe s’est intéressé à la technique platine-palladium vers 1985 et s’était tourné vers Martin Axon, l’un des très rares tireurs platine de l’époque, pour la réalisation de ses tirages.

La juxtaposition des deux tirages illustre bien, à mon sens, les différences entre le tirage platine et le tirage argentique, et les qualités propres à chaque technique.

Robert Mapplethorpe est mort du sida le 9 mars 1989, à l’âge de 42 ans.

[…] The little camera was the Lomo LC-A - Lomo Kompact Automat, built in Soviet-era Leningrad by Leningrad Optics and Mechanics Association (Lomo) - and very soon a craze was born. It was an analogue Instagram in the days before digital photography.

This Lomo craze may have ended up helping save film photography from an untimely end.

In 1992, the students set up Lomographic Society International, exhibiting shots taken on unwanted Lomos they had bought up from all over Eastern Europe.

Then, in the mid-90s, having exhausted the supply of left-over Lomos gathering dust in Budapest, Bucharest or East Berlin, they went to the camera’s manufacturers - still making optics in St Petersburg - and persuaded them to restart production. The negotiations were helped along by the support of the city’s then deputy mayor, Vladimir Putin.

On Friday 23 November, Lomography is celebrating its 20th anniversary, by starting a series of parties in some of its 36 stores around the world. […]

BBC News, Stephen Dowling: “Did the Lomo camera save film photography?”

Gustave Le Gray, autorportrait. 1848. Daguerréotype, plaque Auguste Brassart, 81 x 107 mm.

Via Nicéphore, cahier de photographies.

Je vois des centaines d’images par jour. Parfois, il y en a une qui me fige, qui m’empêche de zapper, une photo sur laquelle je reviens. Celle-là en fait définitivement partie, mais je ne sais pas pourquoi. Le sujet, la lumière, le cadrage, mystérieuse alchimie…

[Photo Laura Pannack.]

Avec une touche de bleu.

Vie de pingouins dans l’Antarctique. Photo Joshua Holko, concours National Geographic.

Conversations de dauphins tachetés de l’Atlantique, Bahamas. Photo John Gaskell, concours National Geographic.

Matin humide. Probablement un agrion élégant. Photo David Chambon.

[Battle of Antietam. Collodion humide par Richard Barnes.]

Cette image m’excite autant qu’elle me met mal à l’aise. Elle est, dans une certaine mesure, directement reliée au phénomène Instagram. Nous vivons une époque de confusion des médias et des esthétiques. Les repères chronologiques habituels se brouillent.

Ah, cette photo, j’en jurerai, c’est un inversible, elle a été prise sur du Kodachrome 64, probablement dans les années 70. Ah, non, elle provient d’un iPhone. Ah, quelle magnifique plaque de la guerre de Sécession, mais que vient faire cette automobile ?

J’ai le sentiment, mais je peux me tromper, et ce n’est pas un jugement de valeur (car, nullement, je ne souhaite me faire traiter de vieux con), que nous sommes depuis presque une décennie dans une phase de recyclage, d’où rien de vraiment neuf ne ressort comme phénomène appréciable. Ce qui est sûr, en tout cas, c’est que nous vivons une intense période de bouleversement visuel. Mais que deviendront nos repères ? D’une certaine façon, le vocable photographique devient de plus en plus difficile à décrypter et demande une culture chaque fois plus large. Je crains que cela devienne assez inaccessible, et donc trompeur.

D’un côté positif, savoir qu’un froid et pauvre cliché numérique nécessite un filtre transmuant les pixels dans une apparence de support analogique pour regagner une certaine noblesse et séduction, c’est une ode à notre passé technologique qui flatte le plus passéiste d’entre nous, mais c’est aussi avouer le manque flagrant de poésie de notre modernité. Oui, en fait, je ne sais pas si c’était un côté positif…

Peut-être aussi que l’analogique apporte une touche stochastique considérée comme une certaine chaleur… Peut-être sommes-nous dans la quête de l’imperfection dans l’aseptisation proprette du numérique.

Un indice irréfutable est ce que j’appellerai le holgaïsme, qui fait des ravages chez les plus jeunes, qui correspond, en gros, à mettre un cul de bouteille en plastique devant un capteur du réel de dernière génération, et qui me semble, par nature, très différent des, déjà ringards à leur propre époque dans les années 1970, qui mettaient de la glycérine sur leur filtre UV.

La part de hasard est devenue comme une protestation anarchiste face à la perfection technologique.

Mais, je m’éloigne de mon sujet premier, le vocabulaire visuel se brouille, sans toutefois créer. J’ai aussi, dans un recoin de mon esprit, que l’innovation esthétique est terminée, nous sommes dans l’ère du “post”, voire du “post-post”. Mais je vais passer encore pour un vieux con, alors qu’il n’en est rien, je suis super excité par tout ce qui se passe actuellement sur le plan du langage visuel.

La fotografía minutera es un oficio tradicional, que hasta hace no mucho se encontraba al borde de la extinción. En España es ejercido por unas pocas personas que lo mantienen con no pocos esfuerzos. Su recuperación y difusión forman parte de los objetivos principales de Papel salado.

Antaño presentes en todas las ciudades y pueblos de importancia, estos artesanos consiguieron que la gente de pocos recursos, que no podía pagar los servicios de un fotógrafo de estudio, también pudiese tener sus retratos en casa: fotografías tomadas en la calle, con cámaras construidas por ellos mismos, reveladas dentro de estas, entregadas en pocos minutos (de ahí su nombre), y por un precio asequible.

La magia del blanco y negro y del revelado analógico de la fotografía, que se realiza frente al público, constituye un espectáculo en sí mismo, y una experiencia única para la persona retratada, que recibe una imagen elaborada artesanalmente ante sus propios ojos; una experiencia singular en estos tiempos de predominio de lo digital, y que devuelve otra vez la materialidad a la fotografía.

On trouve encore quelques “minuteros” en Espagne et en Amérique du Sud.

Ocelui, minutero. [Michi Rodríguez, “Ocelui”.]

Cámara minutera. Modèle sophistiqué.

Cámara minutera. Modèle simple avec dispositif de mise au point interne. Proche la chambre afghane.

[Source : Manuel López García, “Funcionamiento de Càmara Minutera y de Cajòn”.]

Afghan Box Camera Project.

About Afghan Box Camera Photography.

How to build a Kamra-E-Faoree.

Fading Afghanistan.

“We can’t buy the materials anymore!” This we heard many times from former and still-working kamra-e-faoree photographers in Afghanistan. In the past, photographic paper from Germany, Hungary and Japan was easy to get, and most of the chemicals used in developing images arrived from Russia or Pakistan. Nowadays the purchase of chemicals seems to be impossible and the only paper that is available but increasingly difficult to find is China’s Lucky brand, the only photographic paper the Chinese still produce.

[…] Lucky is a Chinese paper which is still widely available in Asia. All the box camera photographers we encountered in Afghanistan were using Lucky papers. Lucky produces fixed graded and multigrade papers with different surfaces. It is cheap and quality reviews are mixed.

Leica Monochrom M.

Une image (choisie au hasard…) :

Les images trouvées par la fonction “images visuellement similaires” de Google :

Pertinence ? Utilité ?

Photo : Joanna Kustra. Modèle : Radek Kruczek

George Eastman House Blog: “Photographic Process 5.0: The Platinum Print.”

La photo de gauche a été prise à une distance de 0,45 m du visage, celle de droite, à 1,5 m.

Moralité : pour paraître moins grosse, rapprochez-vous de l’objectif.

[John Cornicello: “Seeing Ourselves In Pictures.”]

Soldat danois, Afghanistan, 2009. Photo Lars Skree. Image du documentaire “Armadillo”.

Antonio Metruccio, 27 ans, soldat italien, Afghanistan, 2008. Photo Maki Galimberti.

James Blake Miller, soldat américain, Irak, 2004. Photo Luis Sinco.

Soldat américain, Afghanistan, 2012. Photo James Clark, USMC.

Soldat américain, Vietnam, 1968. Photo Don McCullin.

Photo Blommers Schumm.

Thatcher effect.

Pantone Process 111-4 C. Rose Anglais, ou Vieux Rose. Subtile coloration du touriste britannique ayant passé un week-end à Madrid, stade précédent immédiatement le fameux “Lobster Red” (“Rouge Homard”).

Angélica Dass : “Humanæ”.

The Brighton Swimming Club. Photographie Benjamin William Botham (1824-1877). Tirage sur papier albuminé. Circa 1863.

[Source.]

Scène d’été. Frédéric Bazille (1841-1870). Huile sur toile, 160 x 160.7 cm. 1869.

J’aime bien l’univers de Théo Gosselin.

Aujourd’hui a été dévoilée la photographie officielle de François Hollande, président de la République française, réalisée par Raymond Depardon.

J’ai lu, je ne sais plus où, que ce serait “un clin d’œil à la photographie amateur”. Pas dans les moyens déployés en tout cas. À gauche, un grand réflecteur en polystyrène expansé, au fond, un énorme diffuseur cachant une puissante source de lumière continue (probablement un projecteur cinéma à lampe HMI).

Quant à y voir une référence à Instagram… je ne sais pas. C’est du 6x6, un moyen-format sur film 120, mis sur le marché par Kodak en 1901. Le premier appareil photo de Depardon en 1954 était un Lumière 6x6.

Elle est en tout cas très apparentée à celle de Jacques Chirac par Bettina Rheims, bien que moins guindée dans la posture.

—

P.S.

“Comme tout le monde, j’ai regardé les anciennes photos et noté les impératifs, comme la présence des drapeaux tricolore et européen. Nous nous sommes installés dans le parc de l’Elysée, il faisait beau. J’avais une demi-heure. J’ai veillé à un bel éclairage, très fort, puis je l’ai adouci selon une méthode proche de celle du cinéma. Mon idée, c’était de ne pas le faire poser, donc pas de pied pour mon appareil et j’ai demandé à François Hollande de marcher vers moi.

“J’ai essayé d’abord avec un Leica, puis un appareil numérique et enfin avec mon vieux Rolleiflex de 1962 qui me porte souvent chance. Et c’est la photo obtenue avec ce dernier, en format 6 x 6, qui s’est avérée être la bonne.

“Je ne cherchais rien d’autre qu’à sortir des photos de campagne pour en faire une simple et naturelle. C’est pas n’importe qui, on parle d’un monsieur qui va se retrouver dans tous les bâtiments publics pour les cinq années à venir.”

Raymond Depardon, cité par Les Inrocks.

200 000 pièces, 60 000 pampilles de cristal et 532 ampoules de 100 W. 9 mètres de diamètre. Cristallerie Palme & Walter.

[Photo Walter Lindlar, AP. 1962.]

[Photo Mike Baker / AP.]

Trouvée via le blogue photo de MSNBC).

Le 23 janvier dernier, j’avais évoqué l’affaire Charles de Crespy le Prince qui ébranle le marché de la photographie ancienne.

Un informateur, impliqué dans l’histoire, m’indique que les papiers utilisés dataient bien des années 1830-40, ce qui accrédite la thèse d’un effort élaboré de tromperie délibérée de la part du producteur de ces tirages.

Comme je l’écrivais, le moyen physique le plus évident pour authentifier la date d’un tirage photographique ancien, c’est de dater le papier. Mais si les faux sont faits sur papier d’époque, cela peut devenir très compliqué.

Les composés résultant du procédé chimique de création de l’image ne sont pas vraiment datables (allez donc faire parler des atomes de métaux ou d’hypothétiques molécules résiduelles des différents traitements avant rinçage final). Seules de grossières erreurs pourraient trahir le faussaire avec la chimie (par exemple, utiliser de l’acide éthylène diamine tétraacétique, découvert en 1935 et mal rincer l’épreuve…). Si le tirage est fait en respectant scrupuleusement les techniques de l’époque, ce qui se retrouve sur les fibres de cellulose sera en tous points similaire à un tirage d’époque.

Dans le procédé qui nous intéresse ici, les produits chimiques sont simples et limités en nombre (plus limités pour le positif papier salé — seulement sel et chlorure d’argent — que pour le négatif). L’épreuve est fixée au thiosulfate de sodium, dont l’usage photographique est découvert par John Herschel en 1819. Si tout est parfaitement fait, il n’est censé rester que de l’argent sur le papier.

En outre, analyser avec précision la chimie utilisée demande des moyens généralement coûteux (et parfois destructeurs) comme, par exemple, la spectrométrie, ce qui fait que le recours à ce type de techniques est encore peu commun dans l’expertise de photographies. D’autant qu’avec un faux réalisé dans les règles de l’art, des résultats probants ne sont pas garantis. L’analyse chimique ne peut dire que “c’est faux” ou “c’est peut-être vrai”. Si elle ne voit pas de falsification, elle ne sera qu’un élément parmi d’autres entrant en ligne de compte dans le processus d’expertise.

Je pensais :

Paul Messier est l’expert en papier utilisé pour la photographie le plus reconnu au monde. S’il dit que ce sont des faux, c’est probablement que le papier est postérieur à 1848.

L’informateur m’assurant que les papiers sont bien des années 1830-40, cela détruit ma supputation quant à l’analyse de Messier. Cet acteur m’oriente aussi sur ce qui, dans l’analyse, trahirait irréfutablement la fraude.

Le corpus d’œuvres de Charles de Crespy le Prince proposé à la vente comportait non seulement 185 épreuves tirées sur papier salé, mais aussi 73 négatifs sur papier ciré, des calotypes.

Les papiers utilisés pour les négatifs du procédé de Fox Talbot étaient souvent cirés (avant ou après ioduration) pour améliorer la translucidité, réduire le grain, rendre la surface plus lisse et résistante à l’abrasion. (L’idée de cirer le papier avant ioduration remonterait à 1842 sous la plume de Talbot si j’en crois Nicolas Le Guern dans Primitifs de la photographie, Gallimard-BNF, 2010). Aux mêmes fins, de nombreuses autres substances furent également testées pour la préparation du papier, comme des solutions alcooliques de résines naturelles, de camphre, ou encore des mélanges d’huiles et térébenthine. Tout photographe de l’époque se livrait à de nombreuses expérimentations et se voulait chercheur-découvreur.

Ainsi, la cire des négatifs a été analysée et elle comporterait des éléments qui n’existaient pas au milieu du XIXe siècle. (Les cires sont des composés organiques et les cires naturelles comme la cire d’abeille sont des assemblages de nombreux composés. Elles sont bien plus “causantes” que la chimie minérale des procédés photosensibles.)

Tout ceci est inquiétant pour le marché de la photographie et la confiance qui doit présider à toute transaction. Dans des conditions normales d’expertise, ces faux n’étaient pas décelables du premier coup d’œil, même si un faisceau de présomptions avait dissuadé certains spécialistes d’apporter leur caution à cette “découverte”, voire d’exprimer certaines réserves. Les principaux aspects qui devaient initier certains doutes, c’est que l’histoire était trop belle pour être vraie et que, comme je l’évoquais dans mon précédent billet, les sujets communs à tout le lot étaient hors-norme, dans une sorte de répétition obsessive :

Il y a quelque chose de très curieux dans ces photos de Charles-Édouard de Crespy le Prince, c’est que rien ne permet de les dater dans leurs sujets. Que des arbres, des rochers. Bref, de l’intemporel. Tout le corpus proposé à la vente est d’une rare homogénéité. Étrange.

Si un Henri Le Secq a fait des images tout à fait similaires, il n’a pas fait que ça.

Si j’en crois Rue89, les tirages étaient passés avant la vente entre les mains de Sylvie Aubenas. Si cette experte reconnue a émis des doutes, elle n’a pas non plus affirmé et fait savoir que c’était sûrement des faux. De même pour Patrick Lamotte, spécialiste de la photographie à l’atelier de restauration de la Bibliothèque nationale, qui n’aurait pas voulu se prononcer en l’absence d’analyses chimiques. On peut donc penser que ces faux sont loin d’être aussi grossiers que certains voudraient le laisser entendre avec la facilité du jugement a posteriori.

Seules des expertises scientifiques permettent de donner des réponses quand il y a doute (en dans le cas présent, ce sont elles qui seront au cœur des différentes actions judiciaires en cours). Il n’est cependant pas envisageable de faire passer en labo tout ce qui se vend sur le marché.

Enfin, cette histoire (qui fait suite à d’autres mic-macs dans le marché de la photo ancienne, genre affaire Hine-Rosenblum…) démontre, si besoin était, qu’il est possible de faire des faux très trompeurs, voire presque parfaits. Les “Crespy le Prince” n’en étaient pas (outre la question de la cire, il y avait toute une série de petites anomalies qui, réunies, auraient dû permettre de suspecter une fraude), mais ça tenait finalement à peu de choses, aisément surmontables par un faussaire plus soigneux.

Cette affaire est assez passionnante pour tout amateur de procédés anciens. J’aimerai beaucoup connaître la teneur exacte de ce fameux rapport d’expertise de Paul Messier.

Enfin, je m’interroge sur le faussaire et ses motivations. Il y a de nos jours des gens, comme par exemple Christopher A. Wright, qui savent très bien faire de vrais callotypes dans les règles de l’art. Mais il faut avouer que ces gens sont assez peu nombreux dans le monde… Quel amateur de procédés anciens a pu ainsi aller se compromettre dans cette histoire ? (Sachant que ces faux ont peut-être déjà un certain âge.)

Le mystère reste entier.

—

P.S. Une hypothèse qui m’est passée par la tête est que tous ces tirages seraient le fruit du travail d’un amateur explorant la technique du callotype, peut-être il y a plusieurs décennies. Et que ce serait une autre personne, indélicate, ayant mis la main sur ce lot de tirages, peut-être dans une brocante, qui aurait ajouté les éléments pour faire croire à l’imaginaire attribution à l’obscur Charles de Crespy le Prince, qui aurait ainsi construit l’histoire qui valorise ces négatifs et tirages. Mais ça ne colle pas trop avec le papier qui serait vraiment d’époque…

Encore un scandale dans le marché de la photo ancienne…

[…] Si les acheteurs et l’expert Grégory Leroy refusent de livrer le document [une expertise de Paul Messier], c’est, disent-ils, parce qu’il est trop sensible : ce rapport serait tellement détaillé (30 pages) qu’il pourrait, s’il tombait entre de mauvaises mains - notamment celles des possibles faussaires - leur permettre de comprendre leurs erreurs.

C’est le marché de la photo ancienne qui serait en jeu… Leroy justifie :

« Le travail est magnifiquement fait. En ne transmettant pas ce document, je défends l’intérêt du marché et de mes clients contre d’éventuels faussaires qui se baladent dans la nature. »

La Brigade de répression de la délinquance astucieuse (BRDA) possède également le document classé confidentiel dans le cadre de l’enquête préliminaire. Elle a mandaté une nouvelle expertise, française celle-là.

[…] Grégory Leroy estime que la moitié du commerce de la photo ancienne en France (évalué entre 5 à 10 millions d’euros par an) est touché.

Acheteur de la vente, Jean-Claude Vrain renchérit :

« On sait qu’il y a beaucoup de faux dans l’art mais là, c’est à ma connaissance la première fois que tout le lot est composé de faux. C’est très inquiétant pour la photographie : c’est aussi la première fois qu’on mettrait à nu une véritable entreprise de faux à grande échelle, opérant pour des sommes aussi importantes. C’est le plus grand scandale auquel j’assiste depuis que j’achète. »

Rue89, Eleonore Gratiet-Taicher : “L’un des pionniers de la photo a-t-il été inventé de toute pièce ?”

Quelques observations :

Il y a quelque chose de très curieux dans ces photos de Charles-Édouard de Crespy le Prince (voir les 83 lots ici), c’est que rien ne permet de les dater dans leurs sujets. Que des arbres, des rochers. Bref, de l’intemporel. Tout le corpus proposé à la vente est d’une rare homogénéité. Étrange.

D’autre part, même si c’était de vrais calotypes du milieu du XIXe siècle, la pauvreté de leurs sujets devraient enlever très considérablement de leur valeur.

Enfin, l’argument de Grégory Leroy, expert pour les ventes de photographies chez Artcurial, comme quoi il ne faut pas diffuser l’expertise, car elle mettrait en péril le marché… C’est regrettable.

Le seul moyen d’assainir ce marché véreux, c’est de parler des escroqueries au lieu de les cacher sous le boisseau, et d’être dans une démarche scientifique en communiquant le résultat des expertises, afin de faire progresser la recherche qui n’en est qu’à ses balbutiements.

Pour ce que j’en sais, seul aujourd’hui le papier permet d’irréfutablement dater quelque chose dans un tirage photographique, mais seulement le papier, pas la chimie qui est mise dessus. (Paul Messier est l’expert en papier utilisé pour la photographie le plus reconnu au monde. S’il dit que ce sont des faux, c’est probablement que le papier est postérieur à 1848.)

(Avec du vieux papier, je peux vous fabriquer des faux très convaincants.)

Mise à jour, 26 avril 2012 : Contrairement à ma supputation, le papier daterait bien des années 1830-40. Lire “Précisions sur l’affaire Charles de Crespy le Prince”.

Andreas Gursky, “Rhein II”. Le tirage photo le plus cher du monde.

Ça circule pas mal sur Google+, j’en ignore la source. C’est pas mal vu…

“Les palladio-platinotypes : des tirages photographiques à l’épreuve du temps”. Entretien avec Stéphane Gigandet, qui développe une intéressante plateforme de réalisation d’interviews en ligne.

Un documentaire de 1965 sur une grande dame de la photographie :

Dorothea Lange Part I: Under the Trees.

Dorothea Lange Part II: The Closer For Me.

Pour les filles et les gays : “My Daguerreotype Boyfriend”.

Je suis rarement content de mes propres photos, mais là, je ne sais pas trop pourquoi, j’adore mes tulipes.

Jouez avec la focale, l’ouverture, la sensibilité, la rapidité. Instructif pour les débutants (pour comprendre les trois principaux modes de prise de vue, manuel, priorité diaphragme, priorité vitesse), amusant pour tous.

Online SLR Camera Simulator.

Mon appareil est presque toujours en priorité diaphragme. C’est votre cas ?

Natori. Photo AP/Vincent Yu.

Kesennuma. Photo AFP/Yasuyoshi Chiba.

Natori. Photo AP/Sergey Ponomarev.

In Focus: “Japan Earthquake: The Long Road to Recovery”.

À Ōfunato, un bénévole nettoie des photographies retrouvées dans les décombres. Photographie Toru Hanai/Reuters.

The Big Picture: “Japan’s crisis: one month later”.

Photo: Paul Hansen, 2010.

Photo: Nathan Weber, 2010.

Last year while covering the Haitian earthquake aftermath, myself and several other photographers were in the downtown area of Port au Prince following local police as they attempted to maintain control over looting crowds. During the chaos Fabienne Cherisma, 15, was shot in the head by police and died instantly. During the next few minutes one of the images I made shows the scene and the many photographers capturing images of her lifeless body.

As it turns out one of those photographers, Paul Hansen, a staff photographer with the Swedish daily Dagens Nyheter, has won newspaper photographer of the year in the 67th annual Picture of the Year International competition at the Missouri School of Journalism.

I feel it is important to share with viewers a glimpse of the situation that surrounded Fabienne’s tragic misfortune.

Nathan Weber: “Haiti & Paul Hansen”.

Prison Photography: “Brouhaha in Sweden following Award to Paul Hansen for his Image of Fabienne Cherisma”.

“Chris Marquardt: The Invisible Camera”.

Sophistiqué…

So before I say anything else let me start by saying; I created this video to simply show that you should not be limited by your camera. Obviously there was a lot that went into this shoot including a professional model, hair and makeup, a studio, lighting, and a retoucher. We may create another video in the future where we shoot with only natural light but this video is simply about the camera. There are so many photographers who are obsessed with noise, sharpness, color, dynamic range, megapixels, chromatic aberration, moire, distortion, etc. So many photographers get wrapped up in the technical side that they forget how to take compelling images. This video is for them.

Fstoppers, Lee Morris: “The iPhone Fashion Shoot”.

Après un mois et demi d’activité, le bilan de l’expérience est très satisfaisant et il semblerait même que le projet soit viable. Sans aucune étude de marché, juste guidé par la passion, ma “start-up” a déjà rencontré un public réceptif à ce style d’offre qui sort un peu de l’ordinaire et le bouche-à-oreille fonctionne bien.

Le point essentiel, c’est 100% de clients heureux aux quatre coins du monde. (Enfin, quand ils reçoivent leur commande… À cet égard, nous ne féliciterons pas Chronopost qui traite les EMS en France. Une qualité de service juste pitoyable.) Il y a même des clients qui font des vidéos de déballage avec des chats (hmm ?).

Pour ce qui est de ce qui marche, il est clair que New York ou Gertrude, ça part beaucoup mieux que les bateaux. Il me faudra donc étoffer le catalogue dans ces directions (ou faire de la pub en direction des amateurs de voiliers).

Pour les prix de vente, on m’a plusieurs fois dit que je n’étais pas assez cher pour être crédible. Je suis assez cher pour gagner modestement ma vie (l’équivalent d’un SMIC français) si je vends une trentaine de tirages par mois, et pour le moment, ça me suffit. Et je suis déjà assez cher pour être considéré comme produit de luxe inaccessible à beaucoup. D’autre part, je l’expliquais à un nouveau montréalais, vivre de sa passion et choisir un confort de vie, ça a un coût et je suis prêt à le payer. Je pourrais certainement gagner bien plus d’argent en continuant à travailler dans le webomarketing, mais cela ne m’intéresse plus du tout et n’est aucunement enrichissant personnellement.

J’avais annoncé qu’une des étapes suivantes était de s’ouvrir à la photographie contemporaine, c’est chose faite aujourd’hui avec l’arrivée de Guy Verville, photographe montréalais (et ami aussi).

En photo : “Sans titre n° 1”, Guy Verville, 2007.

[Si vous êtes photographe intéressé par ce type de commercialisation, les conditions sont assez simples : il faut que j’aime vos photos (pour les tirer avec amour), qu’elles me semblent avoir un minimum de potentiel commercial, et vous gagnez 50$ (37.5 €) par tirage vendu. Aucune avance sur recette.]

Après des mois de travaux préparatoires, je lance aujourd’hui ma petite entreprise.

Ceux qui me connaissent un peu savent que j’ai trois passions dans la vie, la mer, la photo et l’histoire. J’ai donc tenté de réunir les trois et d’en faire un semblant d’activité professionnelle. Après des années dans la publicité, le marketing, le “web 2.0”, j’ai ressenti le besoin de laisser l’esbroufe et le jetable de côté, pour de l’artisanat et du durable.

Le thème général, c’est de vendre des tirages photographiques de grande qualité, principalement réalisées en platine-palladium, à des prix raisonnables. Pour le moment, il y a une forte dominante “marine” parce que j’aime ça, mais c’est appelé à évoluer.

C’est une activité complètement artisanale. Ce ne sont pas des tirages argentiques faits en minilabs en Roumanie pour un euro pièce, et vendus comme des “photographies d’art” pour collectionneurs cinquante à cent fois plus cher. J’avais pensé un moment à une reconversion dans l’ébénisterie (j’adore le travail du bois), ce sera finalement la photographie à l’ancienne.

C’est une version bêta. C’est-à-dire qu’il peut y avoir des dysfonctionnements dans le site (je vous remercie de me les signaler) et que ce qu’il y a derrière n’est pas encore tout à fait rodé, il pourrait y avoir des incidents de démarrage, notamment au niveau logistique (les premiers clients essuieront les plâtres…). Bref, ce doit être considéré comme un chantier ouvert au public.

Quelles sont les phases suivantes ? D’ici trois semaines, présenter une activité de tirage à la commande pour les photographes. Et par la suite, proposer le site comme support de vente pour des photographes contemporains, notamment des passionnés qui travaillent avec le platine-palladium, mais aussi avec d’autres techniques alternatives comme le charbon, le cyanotype, la gomme bichromatée, etc. Je suis également à la recherche de photographes dont l’œuvre est exploitable en noir et blanc et qui seraient intéressés par ce genre de commercialisation (m’écrire). J’ai déjà quelques noms en tête…

Vais-je gagner de l’argent avec cette activité ? À vrai dire, je n’en sais rien et ce n’est pas vraiment le but, je crains que la passion et le plaisir aient pris le pas sur ce genre de considérations. Nous verrons bien… En tout cas, j’ai l’espoir de faire assez d’argent pour réinvestir et développer.

Mon ambition ? Si j’ai ne serait-ce qu’un seul client comme lui (non, ce n’est pas un déballage Gonzague…), je pense que mon bonheur sera complet. Voilà, donner du plaisir, c’est ma principale ambition.

Publicité gratuite. Si vous avez un blogue, ne vous privez pas de faire un lien vers ce site, ça aidera mon référencement. Je vous en serai chaleureusement reconnaissant.

Voilà, c’est un peu fébrile et ému que je lève le voile sur la Galerie du Cabestan. Commentaires bienvenus.

De quelle époque date cette photo ?

(Les experts qui connaissent déjà cette photo n’ont pas le droit de jouer. Merci…)

J’aime quand Narvic nous parle des chats et des marmottes, en voulant nous dire que ces objets-là ne sont guère digne d’attention. Parce que je me souviens très bien que la première chose que je me suis dit lorsque j’ai découvert Flickr, c’est précisément: c’est incroyable tous ces chiens et ces chats ! Un vrai choc. Cela faisait plus de vingt ans que j’étudiais la photo, mais aucun de mes livres, analyses savantes, kilos de doc, ne m’avaient révélé ce trait de la photographie privée: l’importance de cette présence-là. Narvic, ne ris pas, mais c’est fou ce qu’on voit dans une photo de chat. D’abord on voit qu’on ne l’avait pas vu, que Flickr nous fait découvrir quelque chose qu’aucun corpus n’était capable de nous dire. Ensuite, photographier son chien ou son chat nous raconte exactement à quoi sert la photographie. Avec Bourdieu, on peut admettre que photographier ses enfants, sa femme ou son beau-frère comporte une dimension sociale d’affichage et de convention. Mais lorsque Miranda, 14 ans, met en ligne trente photos d’affilée de son affreux matou, ces photos-là ne nous disent qu’une seule chose. Que la photo, ça sert à mettre de l’amour en boîte. Pour le consommer plus tard, comme des tranches d’ananas. Oui, je sais, c’est à peu près la même chose que ce que tente de nous dire Roland Barthes dans La Chambre claire - mais il ne le dit pas, il nous parle de présence, il nous parle d’histoire, mais il n’arrive pas à énoncer cette chose-là, autour de laquelle tourne tout son livre. Peut-être lui a-t-il manqué un chat. Il y a des évidences si difficiles à comprendre, qu’il faut beaucoup de temps et de patience pour les entrevoir.

André Gunthert : “Les chats, les marmottes et les fins de la participation”.

Cette photo de Karl, “Miroir dans l’escalier”, me fascine. On dirait un morceau de peinture à l’huile, comme volé d’un tableau d’Edward Hopper.

銀座,日本